“In the End” de Linkin Park: La Mejor Canción de Rock de los Últimos 30 Años Según KROQ

El rock ha sido un género que ha marcado a generaciones enteras, y pocas canciones han alcanzado la trascendencia de “In the End” de Linkin Park, interpretada por Chester Bennington: La Voz que Transformó el Dolor en Música. Recientemente, la icónica emisora de radio KROQ, con sede en Los Ángeles, California, coronó esta obra maestra como la mejor canción de rock de los últimos 30 años. 

Un Himno Atemporal desde 2000

“In the End” fue lanzada en el año 2000 como parte del álbum debut de Linkin Park, Hybrid Theory. Este disco no solo fue un éxito rotundo, sino que marcó el inicio de una nueva era en el rock alternativo. La canción, con su fusión única de rap, rock y melodías melancólicas, logró conectar profundamente con millones de personas.

El tema se ha mantenido como un referente del género gracias a:

• Letra emotiva: Reflexiva y cargada de significado, aborda la lucha interna y la aceptación de que no siempre se puede controlar el resultado de las cosas.
• Voz icónica de Chester Bennington: Su intensidad y vulnerabilidad hicieron que cada palabra resonara en el corazón de los oyentes.
• Producción innovadora: Una mezcla perfecta de guitarras eléctricas, sintetizadores y el flow distintivo de Mike Shinoda.

El Legado de “In the End”

Más de dos décadas después de su lanzamiento, esta canción sigue despertando emociones. Cada vez que suena, trae recuerdos de una época dorada para el rock y reafirma su lugar como un himno eterno. Chester Bennington, cuya voz incomparable sigue siendo un símbolo de autenticidad, dejó una huella imborrable en la música.

El Top 10 de KROQ: Otras Joyas del Rock

Además de “In the End”, el ranking de las mejores canciones de rock de los últimos 30 años, según KROQ, incluye los siguientes clásicos:

"Everlong" – Foo Fighters

"Seven Nation Army" – The White Stripes

"Mr. Brightside" – The Killers

"All the Small Things" – Blink-182

"Santeria" – Sublime

"Brain Stew/Jaded" – Green Day

"Just a Girl" – No Doubt

"Self Esteem" – The Offspring

"Dani California" – Red Hot Chili Peppers

Cada una de estas canciones representa un momento único en la historia del rock, pero “In the End” destaca como el himno que definió una generación.

¿Por Qué “In the End” es Inolvidable?

• Conexión emocional: Su mensaje universal sobre las luchas internas trasciende culturas y edades.
• Innovación musical: Linkin Park rompió esquemas al mezclar géneros y ofrecer algo totalmente fresco.
• Relevancia cultural: Desde bandas sonoras hasta eventos masivos, “In the End” sigue siendo parte del ADN del rock moderno.

Video:  “In the End” de Linkin Park

Revive la Magia del Rock

Si eres fan del rock o buscas conectar con su legado, no puedes dejar de escuchar esta lista. “In the End” de Linkin Park es más que una canción; es un recordatorio de que la música tiene el poder de transformar vidas.

¿Y tú? ¿Cuál de estas canciones es tu favorita? ¡Déjanos tu opinión en los comentarios y sigue disfrutando del mejor rock de todos los tiempos! 

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La leyenda del hombre que vendió su alma al Diablo para convertirse en el mejor guitarrista del mundo

Robert Johnson es uno de los nombres más emblemáticos en la historia del blues, envuelto en una de las leyendas más intrigantes de la música. Se dice que vendió su alma al diablo en un cruce de caminos en Clarksdale, Misisipi, a cambio de convertirse en el mejor guitarrista del mundo. Aunque los detalles son escasos y están plagados de misterio, su legado musical sigue fascinando a generaciones.

Una Vida Envuelta en Sombras

La vida de Robert Johnson está llena de incógnitas. Su fecha exacta de nacimiento es incierta, aunque su hermanastra Carrie recordaba que nació el 8 de mayo de 1911 en Hazlehurst, Misisipi. Tampoco se sabe con certeza cómo murió, aunque se cree que fue asesinado con veneno. Johnson era conocido por ser un hombre fugaz y en constante movimiento, con pocas amistades y siempre envuelto en un aura de enigma.

El director Martin Scorsese, un apasionado del blues, afirmó: "Robert Johnson sólo existió en sus discos, fue pura leyenda."

Los Primeros Pasos en el Blues

Durante su juventud, Robert Johnson se destacó más por su falta de talento musical que por sus habilidades. Según el músico de blues Son House, en sus inicios Johnson era un guitarrista sin destreza ni talento. Sin embargo, tras desaparecer por un tiempo (algunos dicen meses, otros aseguran que casi dos años), Johnson regresó como un maestro indiscutible de la guitarra, dando origen a la famosa leyenda: había vendido su alma al diablo para alcanzar la perfección musical.

El Diablo en sus Canciones

La influencia de esta leyenda se reflejó en su obra. Seis de sus canciones mencionan al diablo, siendo la más famosa "Crossroad Blues", grabada en noviembre de 1936 en San Antonio, Texas. La letra de esta canción —“Fui a la encrucijada y caí de rodillas, pedí al Señor, ten piedad, salva, por favor, al pobre Bob”— transmite una sensación de profundo terror, como si realmente hubiera vivido una experiencia sobrenatural en un cruce de caminos.

Otra de sus composiciones destacadas es "Love in Vain", grabada en Dallas en 1937. Esta canción, conocida por su tristeza y belleza, fue reinterpretada por The Rolling Stones en su álbum Let It Bleed. Para el guitarrista Keith Richards, versionarla como un blues habría sido "un sacrilegio".

La Trágica Muerte de Robert Johnson

Robert Johnson murió el 16 de agosto de 1938, a los 27 años, cerca de Greenwood, Misisipi, en otro cruce de caminos. La teoría más aceptada es que fue envenenado con estricnina, posiblemente como resultado de un conflicto amoroso. Según el músico Sonny Boy Williamson, Johnson bebió whisky adulterado, lo que le causó la muerte.

En Greenwood hay tres lápidas que marcan supuestas tumbas de Robert Johnson, pero no se ha confirmado la autenticidad de ninguna. Se cree que fue enterrado sin lápida ni cruz, bajo un árbol, cerca de un cruce de caminos, un lugar simbólico para quienes conocen su leyenda.

El Legado de Robert Johnson

A pesar de haber dejado solo 29 canciones grabadas en dos sesiones, Robert Johnson es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Su influencia trasciende generaciones y géneros, dejando huella en artistas como Eric Clapton, Bob Dylan y The Rolling Stones.

Su música y su historia han dado forma a la imagen del blues como género, manteniendo viva la fascinación por un hombre que pasó por la vida como una sombra, pero dejó un legado inmortal.

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"All The Small Things" de Blink-182: Un Himno Generacional que Cumple 25 Años

El 18 de enero de 2000, Blink-182 lanzó oficialmente "All The Small Things" como el segundo sencillo de su icónico álbum Enema of the State. Aunque la canción ya había debutado en las radios en septiembre de 1999, esta fecha marcó su publicación física, consolidándola como uno de los mayores éxitos de la banda y un verdadero clásico de los años 2000.

Una Canción Escrita Desde el Corazón

La historia detrás de "All The Small Things" es tan especial como su letra. Tom DeLonge, guitarrista y vocalista de Blink-182, escribió esta canción como una dedicatoria para su novia. Ella solía ser muy detallista con él, mientras que él, enfrascado en su vida de rockstar, no le devolvía ese mismo cariño.

Según cuentan, los amigos de Tom le sugerían que dejara la relación si no la amaba realmente. Sin embargo, en una noche de reflexión (y un par de copas), DeLonge se dio cuenta de cuánto ella hacía por él y decidió escribirle algo especial.

El resultado fue "All The Small Things", una canción que la hizo inmensamente feliz en su momento, aunque el destino finalmente los separó. Aun así, esta obra maestra quedó para siempre como testimonio de ese momento de amor.

Éxito en los Rankings Mundiales

Desde su lanzamiento, la canción escaló rápidamente en las listas de popularidad:

• US Billboard Alternative Songs: Alcanzó el puesto número 1.
• Billboard Hot 100: Llegó al lugar número 6.
• UK Singles Chart: Logró posicionarse en el puesto número 2, demostrando su impacto global.

La canción fue un éxito rotundo no solo en Estados Unidos y Reino Unido, sino también en América Latina, donde el público adoptó este himno como propio.

Video: "All The Small Things" - Blink-182

El Videoclip: Una Parodia Icónica del Pop

El videoclip de "All The Small Things", dirigido por Marcos Siega, es uno de los más recordados de la era MTV. En él, Blink-182 se burla de las boy bands y artistas pop de la época, incluyendo referencias directas a:

• Backstreet Boys con una parodia de "I Want It That Way".
• NSYNC y 98 Degrees con sus movimientos coreografiados.
• Britney Spears y su videoclip "Sometimes".
• Christina Aguilera con una versión hilarante de "Genie in a Bottle".

El video fue grabado en el aeropuerto Van Nuys y en la playa estatal de Santa Mónica. Su estreno, el 20 de septiembre de 1999 en Making the Video de MTV, marcó el inicio de su éxito rotundo en Total Request Live (TRL), donde se mantuvo durante 65 días en las listas antes de ser retirado.

Un Himno Generacional

“All The Small Things” no es solo una canción divertida con una melodía pegadiza, es también un símbolo de una época. Representa el espíritu despreocupado y rebelde del pop-punk que Blink-182 llevó al mainstream.

La combinación de humor, emoción genuina y energía juvenil la convirtió en un himno que sigue resonando en el corazón de sus fanáticos, incluso 25 años después de su lanzamiento. Además, consolidó a Blink-182 como una de las bandas más importantes del pop-punk.

Conclusión

El 18 de enero no es una fecha cualquiera para los amantes del pop-punk. Es el día en que Blink-182 lanzó al mundo una canción que marcó una generación. "All The Small Things" es mucho más que un sencillo exitoso: es un recordatorio de los momentos simples pero significativos de la vida, de esas "pequeñas cosas" que hacen la diferencia.

¿Recuerdas dónde estabas cuando escuchaste esta canción por primera vez? ¡Déjanos tus recuerdos en los comentarios y celebremos juntos este clásico atemporal!

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¿Un título en heavy metal? En esta universidad holandesa, el metal es materia seria

Eindhoven, conocida como la capital del metal en los Países Bajos, es el hogar de una innovadora iniciativa educativa que combina la pasión por el heavy metal con una formación profesional. Summa College ha creado ‘The Metal Factory’, un programa único que transforma la educación musical con un enfoque exclusivo en el género más intenso de la música.

Especialización en el Género Más Pesado

En ‘The Metal Factory’, los estudiantes pueden especializarse en áreas clave del metal: canto, guitarra, bajo, batería y teclado. Este enfoque permite a los músicos perfeccionar sus habilidades en un ambiente completamente adaptado a las exigencias del género.

Uno de los aspectos más destacados del programa es el curso de canto, que se extiende por tres años y enseña técnicas avanzadas como el growling. Según una periodista australiana que visitó la institución, “el secreto de un buen growl comienza con un suspiro o gruñido que luego se transforma en un grito primal utilizando las cuerdas vocales”.

Formación Más Allá de la Música

El programa no se limita a la técnica musical. Según el sitio oficial de la institución, la misión de ‘The Metal Factory’ es formar artistas versátiles y emprendedores dentro de la industria musical. Los graduados no solo están preparados para componer y producir música, sino también para enseñar, gestionar derechos de autor, aplicar técnicas de musicoterapia o trabajar en logopedia. Además, algunos exalumnos han continuado su formación en prestigiosas instituciones como el Conservatorio de Ámsterdam.

Docentes Activos en la Escena del Metal

La calidad del programa se sustenta en su equipo de docentes, compuesto por 14 profesionales activos en la industria musical. Entre ellos se encuentran nombres destacados como:

• Robin Zielhorst: Exbajista de Cynic.
• Bart Hennephof y Stef Broks: Integrantes de Textures.
• Merel Bechtold: Exguitarrista de Delain.
• Jacques De Haard: Reconocido ingeniero de sonido.

“Todos nuestros profesores no solo imparten clases, sino que también están involucrados en la escena musical, tanto sobre el escenario como detrás de él. Esto garantiza que la educación que ofrecemos esté siempre actualizada y conectada con las realidades de la industria”, explica la institución.

Un Futuro Brillante para los Amantes del Metal

Para aquellos apasionados del metal, esta escuela representa una oportunidad única de convertir su amor por el género en una carrera profesional. ¿Imaginas obtener un título que valide tu habilidad para moshear y crear música que haga vibrar a las multitudes?

Si te interesa explorar más sobre esta innovadora propuesta educativa, puedes visitar las instalaciones de ‘The Metal Factory’ en un evento especial que se llevará a cabo el próximo 26 de enero en Dynamo Eindhoven.

Conclusión

Summa College y su programa ‘The Metal Factory’ están redefiniendo la educación musical con una oferta académica centrada en el heavy metal. Desde técnicas de interpretación hasta formación empresarial, esta institución se asegura de que los graduados estén listos para conquistar la escena musical. ¡El metal nunca había sido tomado tan en serio!

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19 Años de "I Write Sins Not Tragedies" de Panic! At The Disco: Un Clásico de los 2000s

El 16 de enero de 2006, Panic! At The Disco lanzó uno de los temas más icónicos de los años 2000: "I Write Sins Not Tragedies", el segundo sencillo de su álbum debut A Fever You Can’t Sweat Out. Este tema, que marcó a toda una generación, sigue siendo recordado como un clásico, y hoy, en su aniversario número 19, repasamos su historia, impacto y legado.

El Lanzamiento: Un Éxito Inmediato

"I Write Sins Not Tragedies" fue lanzado simultáneamente en formato CD single y vinilo, logrando posicionarse rápidamente en las listas de éxitos globales.

• Billboard Hot 100: Alcanzó el puesto número 7, consolidándose como uno de los mayores hits de la banda en Estados Unidos.
• UK Singles Chart: Llegó al puesto 25, destacándose también en el Reino Unido.

En países de habla inglesa, la canción fue un éxito comercial rotundo. Sin embargo, en América Latina tardó en despegar debido a una promoción más lenta por parte de canales como MTV Latinoamérica.

El sencillo obtuvo certificaciones de platino y multiplatino en varios países, demostrando su impacto duradero. Además, fue uno de los primeros grandes éxitos en el mercado emergente de ringtones, un fenómeno característico de la década de los 2000.

La Controversia del Lenguaje Obsceno

Un aspecto que llamó la atención fue el uso de lenguaje explícito en la letra. En la radio estadounidense, la canción fue editada para eliminar las palabras consideradas ofensivas, lo que generó cierta controversia, pero no impidió su popularidad.

El Significado del Título y la Letra

Curiosamente, el título de la canción no aparece en la letra. Su inspiración proviene de la novela Shampoo Planet de Douglas Coupland. En ella, el personaje Tyler Johnson escribe "tragedias, no pecados" como una reflexión sobre las imperfecciones humanas.

La letra, por su parte, aborda un tema universal: la preocupación por lo que otros piensan de nosotros. Aunque muchas personas afirmen no prestar atención a las opiniones ajenas, la canción desafía esta idea, mostrando cómo, consciente o inconscientemente, las palabras de otros pueden influirnos, especialmente cuando provienen de personas cercanas o importantes para nosotros.

Video: "I Write Sins Not Tragedies" de Panic! At The Disco

Un Videoclip Inolvidable

El videoclip de "I Write Sins Not Tragedies" se estrenó el 18 de julio de 2006 y presentó una narrativa visual única. Ambientado en una boda temática de circo, fue protagonizado por el vocalista de la banda, Brendon Urie, como un excéntrico maestro de ceremonias.

Resumen del videoclip:

La historia inicia con una pareja, la novia (Jessie Preston) y el novio (Daniel Isaac McGuffey), a punto de casarse.

Las familias de ambos son opuestas: mientras que la del novio es formal, la de la novia es un grupo de artistas circenses que interrumpen la ceremonia.

El maestro de ceremonias narra y participa activamente en los eventos, revelando los conflictos entre las familias.

El desenlace muestra a la novia huyendo de la boda para besar a otro invitado, mientras se revela que el maestro de ceremonias es el alter ego del novio.

El videoclip, con su estética teatral y narrativa surrealista, ganó popularidad rápidamente, ayudando a consolidar a Panic! At The Disco como una banda visualmente innovadora.

El Legado de un Clásico

"I Write Sins Not Tragedies" no solo fue un éxito comercial, sino que también marcó un antes y un después en el panorama del pop-punk y la escena alternativa de los 2000.

A 19 años de su lanzamiento, sigue siendo una canción emblemática, tanto para quienes vivieron su auge como para nuevas generaciones que descubren su música. Desde las listas de éxitos hasta las certificaciones multiplatino y su icónico videoclip, esta canción es un recordatorio del impacto cultural y artístico de Panic! At The Disco en la música de la década.

Conclusión

El 16 de enero siempre será una fecha especial para los fanáticos de Panic! At The Disco, un día para celebrar una canción que trascendió el tiempo y continúa resonando en el corazón de millones. "I Write Sins Not Tragedies" es más que un sencillo: es un himno de los 2000 que sigue vivo 19 años después.

¿Tú también recuerdas dónde estabas cuando escuchaste esta canción por primera vez? ¡Déjanos tus recuerdos en los comentarios!

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"Bring Me To Life" de Evanescence: El Himno que Revivió al Nu Metal

El 13 de enero de 2003, el mundo conoció "Bring Me To Life", el primer sencillo de Fallen, el álbum debut de Evanescence. Este tema no solo marcó un antes y un después en la carrera de la banda, sino que también se consolidó como un himno generacional del nu metal, mezclando potentes guitarras con la desgarradora voz de Amy Lee.

El Inicio de Todo: Un Sencillo Inolvidable

Escrita por Amy Lee, Ben Moody y David Hodges, y producida por Dave Fortman, "Bring Me To Life" se convirtió rápidamente en el sencillo más icónico de Evanescence. Además, contó con la colaboración de Paul McCoy, vocalista de 12 Stones, quien añadió un contraste dinámico con sus líneas de rap, aunque su contribución muchas veces pasó desapercibida en los créditos principales.

El éxito del tema fue monumental, liderando las listas de varios países, como el UK Singles Chart, y alcanzando el puesto número 5 en el Billboard Hot 100. Para una canción de nu metal, lograr semejante impacto global fue un logro histórico, considerando la dominancia del pop y el hip hop en esa época.

La Inspiración Detrás de "Bring Me To Life"

Lo que hace a esta canción realmente especial es la emotiva historia detrás de su creación. Amy Lee confesó en una entrevista con Songfacts que la letra de "Bring Me To Life" fue inspirada por Josh Hartzler, quien años después se convertiría en su esposo.

Amy relató cómo una simple pero profunda pregunta de Josh cambió todo:

"Estaba en un lugar realmente malo y atravesando un momento difícil. Cuando nos sentamos a reservar una mesa, él me miró directamente a los ojos y me preguntó: '¿Eres feliz?'. Eso me sacudió por completo, porque por fuera actuaba normal, pero por dentro estaba llena de confusión. Sentí que él podía ver directamente en mi alma, y eso inspiró toda la canción."

La conexión emocional y la sensación de ser "revivida" por alguien que la comprendía dieron forma al mensaje central del tema: ser visto y entendido profundamente por otro ser humano.

Impacto en el Nu Metal y en el Mundo

En una era dominada por bandas como Linkin Park, Korn y Limp Bizkit, Evanescence logró algo único: llevar el nu metal a un público más amplio con un enfoque melódico y gótico que resonó tanto en fanáticos del rock como en oyentes casuales.

• Reconocimientos globales: "Bring Me To Life" lideró las listas en numerosos países, algo que pocas canciones de su género habían logrado.
• Reconocimientos en los charts: Alcanzó el número 1 en el UK Singles Chart y permaneció entre los primeros lugares en las listas de todo el mundo.
• Un clásico de la era MTV: Su videoclip, con Amy Lee cantando en el borde de un edificio, se volvió un ícono visual, logrando una alta rotación en canales como MTV y VH1.

El Legado de un Clásico

Han pasado 22 años desde que "Bring Me To Life" vio la luz, pero su impacto sigue vivo. Con su mezcla de vulnerabilidad, fuerza y poderosas melodías, se ha convertido en un himno para quienes buscan un respiro en medio de la oscuridad.

"Bring Me To Life" no solo marcó el inicio del éxito global de Evanescence, sino que también dejó una huella imborrable en la historia del nu metal y la música contemporánea.

Conclusión

Hoy, en su aniversario 22, celebramos esta joya musical que nos hizo reflexionar, sentir y conectarnos con nuestras emociones más profundas. ¿Qué recuerdos te trae esta canción? ¡Déjanos tus comentarios y revive junto a nosotros este maravilloso clásico!

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"Otherside" de Red Hot Chili Peppers: Un Clásico que Marcó Generaciones

El 11 de enero del 2000, los Red Hot Chili Peppers lanzaron "Otherside", el tercer sencillo de su emblemático álbum Californication. Esta canción no solo destacó en las listas de popularidad, sino que también dejó una huella imborrable en la cultura pop, consolidándose como un himno generacional en la transición entre los años 90 y los 2000.

Un Éxito en las Listas

Desde su lanzamiento, "Otherside" escaló posiciones en los rankings internacionales:

• Alcanzó el puesto 14 en el Billboard Hot 100, siendo la cuarta canción mejor posicionada en la historia de la banda.
• Lideró el Modern Rock Tracks en Estados Unidos.
• En el UK Singles Chart, llegó al lugar 33, demostrando su impacto global.

Estos logros reflejan el poder emocional y la conexión que esta canción estableció con los oyentes de todo el mundo.

La Historia Detrás de la Letra

La letra de "Otherside" es profundamente personal y está impregnada de dolor. Fue escrita como un homenaje al fallecido Hillel Slovak, el guitarrista original de los Red Hot Chili Peppers, quien murió trágicamente de una sobredosis de heroína en 1988.

El "otro lado" mencionado en la canción representa la lucha contra el abuso de sustancias y el oscuro mundo al que te lleva este problema. Anthony Kiedis, conocido por sus propias batallas con las adicciones, plasmó en esta pieza una reflexión honesta y desgarradora sobre el tema.

La frase "How long, how long will I slide?" resuena como un grito de auxilio y un intento de entender las consecuencias de las decisiones que nos arrastran al abismo.

VIDEO : "Otherside" de Red Hot Chili Peppers

Un Videoclip Surrealista

El videoclip de "Otherside", dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris, es una obra de arte en sí misma. Con un estilo surrealista y monocromático, los miembros de la banda aparecen en escenarios inusuales y oscuros:

Anthony Kiedis se encuentra en la torre de un castillo, adoptando un personaje sombrío y enigmático.

John Frusciante toca una cuerda que se extiende por un largo pasillo como si fuera una guitarra.

Flea interactúa con cables de alto voltaje, tocándolos como si fueran un bajo.

Chad Smith se posiciona en una torre con un reloj medieval giratorio que actúa como batería.

El video capturó a la perfección el tono melancólico de la canción, mostrando un lado más introspectivo y maduro de la banda.

Impacto Cultural

"Otherside" no solo fue un éxito comercial; también se convirtió en un símbolo de la transición cultural entre las décadas de los 90 y los 2000. Fue una de esas canciones que marcó el cambio generacional, uniendo a aquellos que crecieron en los 90 con una nueva ola de fans que descubría a los Red Hot Chili Peppers en el nuevo milenio.

Su mensaje sobre el abuso de sustancias y la lucha por encontrar la redención resonó con millones, convirtiéndola en una pieza que trasciende la música.

25 Años de "Otherside"

Hoy celebramos un cuarto de siglo desde el lanzamiento de este clásico que nos sigue emocionando como si fuera la primera vez. "Otherside" es una obra que nos invita a reflexionar, sentir y conectar con las emociones más profundas que la música puede evocar.

¿Recuerdas dónde estabas la primera vez que escuchaste este tema? ¡Déjanos tus comentarios y celebremos juntos este aniversario tan especial!

"Otherside", más que una canción, es un testimonio de resiliencia, memoria y arte. ¡Feliz 25 aniversario a este hermoso clásico! 

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Dave Grohl habla sobre cómo fue vivir en un mísero apartamento en Seattle con Nirvana

En una reciente entrevista, Dave Grohl compartió detalles fascinantes sobre su tiempo en Seattle con Nirvana, antes de que la banda alcanzara la fama mundial. Grohl, quien se unió a Nirvana en 1990 como baterista, recordó cómo, a pesar de las dificultades de vivir en un apartamento pequeño y en condiciones precarias, la música era lo que los mantenía unidos y motivados.

Grohl comentó sobre cómo se mudó a Seattle sin conocer a Kurt Cobain ni a Krist Novoselic, y cómo el amor por la música los unió rápidamente: «Me había mudado allí sin haber conocido a los chicos de Nirvana antes, así que eran unos desconocidos, y era realmente la música lo que me mantenía allí». A pesar de las limitaciones del lugar donde vivían, un apartamento que describe como «bastante escuálido y bastante asqueroso», Grohl sentía que valía la pena porque siempre tenían la música que los motivaba.

Una de las historias que más resalta es la de los momentos cotidianos que compartía con Kurt Cobain, quien, según Grohl, era una persona compleja: «Al principio no lo sabía, pensé que tal vez Kurt era callado, tímido o tenía ansiedad social, o lo que fuera. También había momentos en los que era tremendamente gracioso, realmente era divertido estar con él». Recuerda cómo se dirigían al supermercado con solo 7 dólares, buscando la cena perfecta mientras compartían risas, demostrando que, aunque la vida era dura, había momentos alegres que se quedaban con ellos.

Grohl también reflexionó sobre la intimidad de la vida en ese apartamento, donde a menudo dormía en el sofá después de los ensayos, mientras Kurt se retiraba a su habitación, sin que él supiera que su compañero estaba escribiendo canciones en sus diarios. A la mañana siguiente, Kurt a menudo llegaba al ensayo con una nueva canción, una muestra más del genio creativo que llevaba dentro. Según Grohl, Kurt tenía momentos de ser introvertido y solitario, pero esto se equilibraba con su increíble capacidad para «explotar» cuando cantaba: «Cuando cantábamos una canción, explotaba, y era real, hombre, era real».

Las palabras de Grohl nos dan una ventana a la vida de una de las bandas más influyentes de la historia del rock. A pesar de las dificultades, la conexión con la música, la creatividad y los momentos simples de la vida cotidiana fueron lo que permitió a Nirvana consolidarse como un fenómeno cultural y musical. La historia de vivir en ese pequeño apartamento se convierte, con el tiempo, en un recuerdo nostálgico que evidencia el poder de la música para cambiar vidas y crear historia.

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