sábado, 8 de marzo de 2025

Tina Turner: La Reina del Rock que Venció el Dolor y Reinó con Fuerza

El 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, no solo celebramos los logros de las mujeres, sino también su resiliencia. Y si hay una historia que encarna la superación, es la de Tina Turner, la legendaria cantante que escapó de un infierno doméstico para convertirse en una de las mayores estrellas del rock.

Tina Turner: La Reina del Rock que Venció el Dolor y Reinó con Fuerza

La Huida que Cambió Todo

En plena noche, con solo 36 céntimos en el bolsillo y una tarjeta de combustible, Tina Turner cruzó una peligrosa autopista en Dallas para escapar de su primer marido, Ike Turner. No era solo su representante, sino también su verdugo.

Durante el divorcio, hizo una petición inusual: no quiso propiedades, ni dinero, ni derechos de autor. Solo quería su nombre: Tina Turner. Era lo único que le permitiría reconstruir su vida y su carrera.

El Renacimiento de una Leyenda

Podría haberse desvanecido en el olvido, pero Tina Turner se reinventó. A los 42 años, una edad en la que muchas artistas son relegadas, ella se convirtió en una superestrella global con éxitos como "What’s Love Got to Do with It" y "Private Dancer".

Su voz poderosa, su energía en el escenario y su tenacidad la convirtieron en un ícono. Pero detrás de esa fuerza había una mujer profundamente espiritual: practicante del budismo Nichiren, encontró en esta filosofía la fuerza para seguir adelante.

El Amor que la Salvó

En sus memorias, Tina habló de su segundo matrimonio con Erwin Bach, un productor musical suizo 16 años menor. A diferencia de Ike, Erwin nunca se sintió intimidado por su fama.

Cuando su salud decayó en 2016 y Tina consideró el suicidio asistido, fue Erwin quien le donó un riñón, dándole más años de vida juntos. Un acto de amor que demostró que, tras décadas de lucha, había encontrado paz.

Legado Eterno

Tina Turner no fue solo una voz inigualable o una performancista electrizante. Fue una superviviente, una mujer que rompió barreras de edad, raza y género en la música.

Su historia es un recordatorio de que, incluso en los momentos más oscuros, la salida está en seguir adelante. Este 8 de marzo, celebramos a las mujeres que, como Tina, luchan, resisten y triunfan.

¿Qué opinas del legado de Tina Turner?

¡Déjanos tu comentario y comparte este homenaje a una de las más grandes! 

domingo, 2 de marzo de 2025

Un 2 de Marzo en la Historia de la Música: Álbumes que Marcaron Época

Cada fecha en el calendario tiene su huella en la historia de la música, y el 2 de marzo no es la excepción. A lo largo de los años, este día ha sido testigo del lanzamiento de discos icónicos que han dejado una marca en diversos géneros, desde el rock y el blues hasta la electrónica y el soul. Desde Johnny Cash y The Beach Boys hasta Nine Inch Nails y Moby, repasemos algunos de los álbumes más memorables que llegaron al mundo un 2 de marzo y su impacto en la escena musical.

Si te gustó este post, no te pierdas Los Éxitos Musicales de 1991.

Un 2 de Marzo en la Historia de la Música: Álbumes que Marcaron Época

Un 2 de Marzo en la Historia de la Música: Álbumes que Marcaron Época

Un 2 de marzo se editaban los discos:


1959 - Frankie Avalon - The Young Frankie Avalon

1959 - Johnny Cash - Hymns by Johnny Cash

1961 - Chuck Berry - New Juke Box Hits

1964 - Ray Charles - Sweet & Sour Tears

1964 - The Beach Boys - Shut Down Volume 2

1973 - Electric Light Orchestra - The Electric Light Orchestra 2


1973 - The Doobie Brothers - The Captain And Me

1973 - Todd Rundgren - A Wizard, a True Star

1974 - New Riders of the Purple Sage - Brujo

1975 - Keith Moon - Two Sides of the Moon

1976 - Cilla Black - It Makes Me Feel Good

1976 - Joe Walsh - You Can't Argue with a Sick Mind


1976 - Kingfish - Kingfish

1977 - England Dan & John Ford Coley - Dowdy Ferry Road

1983 - Peter Green - Kolors

1985 - Johnny Winter - Serious Business

1985 - Vangelis - Invisible Connections

1986 - Bobby Mcferrin - Spontaneous Inventions


1986 - Stray Cats - Rock Therapy

1987 - Caroline Loeb - Loeb C.D.

1987 - Gary Moore - Wild Frontier

1987 - Siouxsie & The Banshees - Through the Looking Glass

1993 - Living Colour - Stain

2004 - Ceelo Green - Cee-Lo Green... Is the Soul Machine


2005 - Fidel Nadal - Trabajo de hormiga

2006 - Los Piojos - Fantasmas peleándole al viento

2008 - Nine Inch Nails - Ghosts I-IV

2010 - Dante Spinetta - Pyramide

2018 - Moby - Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt

2018 - The Breeders - All Nerve

lunes, 17 de febrero de 2025

El origen de Serú Girán

El 17 de febrero de 1978, en Buzios, Brasil, la reunión de 4 músicos argentinos terminaba con la gestación del más importante grupo de Rock nacional, ese día nacía "Serú Girán". Cuando Charly García disolvió la banda "La máquina de hacer pájaros" se trasladó a Brasil para trabajar en un disco solista. Invito a David Lebón para que colaborara con él, pero un hecho fortuito derivó que un disco solista se transformara en la gema para un super grupo. En un fugaz viaje de Charly a Buenos Aires asistió a un pub donde un joven bajista lo dejó perplejo, esperó el final del Show y le ofreció unirse a su proyecto, Pedro Aznar viajó de inmediato a Buzios. Viendo que el proyecto necesitaba un baterista, recurrió a su viejo amigo, Oscar Moro, quien accedió encantado unirse a la aventura. A Charly, Lebón, Aznar y Moro se les sumó para los ensayos el músico y productor Giuliano Canterini, más conocido como Billy Bond. El 17 de febrero de 1978 se produjo el mágico encuentro en el que se decidió la formación del grupo, se eligió el nombre y se compusieron las primeras canciones. La grabación del primer disco comenzó en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Ángeles. La aparición del disco "Serú Girán" (1978) donde se destacaban "Eiti Leda" y "Seminare" y su primera aparición en público en un recital a bordo de un barco en el Riachuelo los catapultaron a la cima de la consideración. La aparición de "La grasa de las capitales" con el gran tema "Viernes 3 am" y de "Bicicleta" con un relato de la realidad y sus magníficos "Canción de Alicia en el país" y "Desarma y sangra", trajeron el éxito y el amor incondicional del público. "Peperina" fue el principio del fin, Pedro Aznar fue convocado para unirse al "Pat Metheny Group", al aceptar marcó el final de la banda. Luego de la separación se editó "No llores por mi Argentina" donde se recopilaron sus éxitos en vivo. Un fugaz reencuentro 10 años después dejó el disco "Serú 92", ya sin la magia de otros años.

Serú Girán

sábado, 8 de febrero de 2025

Nostalgia de las bandas de rock del 2000

Prepárate para un golpe de realidad: los 90’s fueron hace 35 años...

Si naciste en los 80’s, ya estás a nada de los 40, ¡o ya llegaste! Y si naciste en los 70’s… bueno, ya eres un adulto consolidado con rodillas sensibles y de seguro, un doctor de confianza.

Ah, pero espera, porque lo peor no es la edad… es el shock de descubrir que el nu-metal y el rock alternativo que te hacía sentir rebelde en la secundaria o en la prepa ahora se consideran música retro. Sí, RETRO. Como Elvis para tus papás o los Bee Gees para tus tíos.

Así que sí, todas esas bandas que marcaron los inicios de los 2000’s ahora son historia del rock:

  • Linkin Park (cuando Hybrid Theory era novedad, no nostalgia)
  • Papa Roach (¿te acuerdas cuando Last Resort era el himno de la rebeldía?)
  • Limp Bizkit (y todos queríamos una gorra roja al revés)
  • Staind (It’s been a while... y sí, ya pasaron varias décadas)
  • My Chemical Romance (el himno de los emos OG)
  • System of a Down (Wake up! Pero en serio, despierta, ya es hora de pagar la hipoteca)
  • Foo Fighters (y Dave Grohl sigue rockeando mientras tú te quejas del lumbago)
  • The Offspring (Pretty Fly for a White Guy… pero ahora con entradas en el cabello)
  • Crazy Town (Come my lady, come-come my lady… pero ahora el único “butterfly” que sigues es el del estómago después de una comida pesada)
  • KoЯn (el bajo de Fieldy sigue reventando bocinas… y nosotros reventando pastillas para la acidez)
  • Rammstein (Du Hast… pero ahora lo que tienes es una cuenta de LinkedIn bien armada)
  • Blink-182 (What’s My Age Again? Hermano, ya ni te acuerdas de muchas cosas sin agenda)
  • Slipknot (People = Shhh... ahora prefieres paz y silencio los domingos)
  • Evanescence (Wake me up inside! Pero esta vez, para la alarma del trabajo)

Y así es la vida, un día estás grabando CDs en la quemadora y al otro estás recordando dónde dejaste los lentes para leer el WhatsApp.

Sonríe, disfruta, ponle volumen a esas rolas y no te preocupes… ser vintage también tiene su onda.

caricatura bandas rock 2000

domingo, 2 de febrero de 2025

La muerte de Sid Vicious

El 2 de febrero de 1979, en Nueva York, asesinado por su madre, moría la esencia del Punk, ese día se apagaba la corta vida de Sid Vicious. Nació en Londres, Inglaterra, el 10 de mayo de 1957, con el nombre de Simon John Ritchie. Siendo un niño, su padre, John Ritchie, un Granadero del ejército británico, los abandonó por las adicciones de su madre, Anne McDonald. Ambos se trasladaron a Ibiza donde su madre se dedicaba a la venta de drogas e inició a su hijo en el mundo de los robos y el arrebato. En 1965 regresaron a Inglaterra, mientras asistía salteado al Colegio Sandown Court, Simon se dedicaba a vender LSD en recitales Londinenses. A los 17 años ya era adicto a todo tipo de drogas, menos la heroína, y mostraba signos de autoflagelación e inadaptación social. Mientras hacía sus primeras armas con la música adoptó el nombre "Sid" de la rata de su amigo John Lydon (Johnny Rotten) y le sumó "Vicious" (malicioso). Mientras seguía como fan a la banda "Sex pistols" ingresó en el grupo "The Flowers of Romance" y posteriormente como baterista de "Siouxsie & the Banshees". Cuando en 1977, Glen Matlock, abandona "Sex pistols", Rotten le ofrece unirse a la banda, a partir de allí se decía "Si Rotten es la voz del punk, Vicious es la actitud". A fines de ese mismo año, Sid conoció a la Groupie "Nancy Spungen", de inmediato comenzaron a salir. Digna representante del "Vive rápido, muere joven", Nancy era adicta a la heroína y empujó a Sid a la droga que le faltaba. Esta relación tuvo un efecto devastador en la banda, que perdió el rumbo, Sid tocaba tan mal el bajo que solían desconectarle el amplificador para el público no lo escuchara. La banda se separó estando de gira por los EEUU, Sid decidió seguir su carrera solista. La mañana del 12 de octubre de 1978, Sid se despertó encontrando a su lado a Nancy apuñalada en un mar de sangre, fue arrestado y acusado de homicidio. Aseguraba no haberla asesinado y el caso fue derivando en un hecho entre traficantes, Nancy lo era. Mientras seguía la investigación, el sello "Virgin" pagó 50 mil dólares de fianza y Sid fue liberado. Para celebrar este hecho, el 2 de febrero de 1979, Sid organizó una fiesta, después de meses en prisión le pidió a su amiga Michelle Robinson que lo inyectara, esta se negó, pero su madre Anne se ofreció a hacerlo. Le administró una cantidad como para matar a varias personas. Sid fue encontrado recién a la mañana siguiente y una carta suicida liberó a su madre, aunque meses después confesó que la carta la había escrito en prisión y que ella lo mató para "acortar su sufrimiento". Anne murió de sobredosis en 1996.

Sid Vicious


sábado, 1 de febrero de 2025

Here With Me de Dido: La Balada Inolvidable que Marcó una Generación

El 1 de febrero de 2001, Dido relanzó "Here With Me" en el Reino Unido, consolidándose como una de las baladas más icónicas de principios de los 2000. Aunque el sencillo ya había sido pre-lanzado en Estados Unidos un par de años antes, fue gracias al éxito de su álbum No Angel y del tema Thank You que esta canción tuvo una segunda oportunidad para brillar a nivel mundial.

Here With Me de Dido

Un Renacimiento Musical

"Here With Me" fue escrita por la propia Dido para su entonces novio, Bob Page. La canción, de letra emotiva y melancólica, capturó el corazón de miles de oyentes. Sin embargo, su verdadero impulso llegó cuando se convirtió en el tema principal de la serie Roswell (1999-2002), lo que la hizo conocida entre el público juvenil. Además, su inclusión en la película Love Actually (2003) contribuyó a su legado, inmortalizándola en la cultura pop.

El Momento Clave en la Carrera de Dido

En una entrevista con Canada.com en 2013, Dido reveló que "Here With Me" fue la primera canción que escribió con la que realmente se sintió satisfecha. "Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro", confesó. Inicialmente, su hermano la presentó en una reunión de la compañía A&R con la intención de encontrar a alguien más para interpretarla. Sin embargo, los asistentes sugirieron que la propia Dido la cantara y así fue como comenzó su carrera profesional.

Los Dos Videoclips de "Here With Me"

Dido y su equipo de producción decidieron realizar dos versiones del videoclip para este sencillo:

Primer video: Rodado con bajo presupuesto y en tonos sepia, mostraba a la cantante caminando por distintas localizaciones. Aunque era una representación simple, Dido esperaba algo más para el lanzamiento internacional.

Segundo video: Este clip, grabado en Ontario, Canadá, muestra a Dido cantando en una cama, en una habitación y recorriendo diversas calles, capturando la esencia nostálgica de la canción con una producción más cuidada.

El Legado de "Here With Me"

Hoy, más de dos décadas después, "Here With Me" sigue siendo una de las baladas más queridas de los años 2000. Su melancolía, su historia y la voz inconfundible de Dido la convirtieron en un himno para quienes han experimentado el amor y la distancia.

Si eres fan de la música de los 2000, esta canción no puede faltar en tu playlist. ¡Cuéntanos en los comentarios qué recuerdos te trae "Here With Me"!

miércoles, 22 de enero de 2025

“In the End” de Linkin Park: La Mejor Canción de Rock de los Últimos 30 Años Según KROQ

El rock ha sido un género que ha marcado a generaciones enteras, y pocas canciones han alcanzado la trascendencia de “In the End” de Linkin Park, interpretada por Chester Bennington: La Voz que Transformó el Dolor en Música. Recientemente, la icónica emisora de radio KROQ, con sede en Los Ángeles, California, coronó esta obra maestra como la mejor canción de rock de los últimos 30 años. 

“In the End” de Linkin Park: La Mejor Canción de Rock de los Últimos 30 Años Según KROQ

Un Himno Atemporal desde 2000

“In the End” fue lanzada en el año 2000 como parte del álbum debut de Linkin Park, Hybrid Theory. Este disco no solo fue un éxito rotundo, sino que marcó el inicio de una nueva era en el rock alternativo. La canción, con su fusión única de rap, rock y melodías melancólicas, logró conectar profundamente con millones de personas.

El tema se ha mantenido como un referente del género gracias a:

  • Letra emotiva: Reflexiva y cargada de significado, aborda la lucha interna y la aceptación de que no siempre se puede controlar el resultado de las cosas.
  • Voz icónica de Chester Bennington: Su intensidad y vulnerabilidad hicieron que cada palabra resonara en el corazón de los oyentes.
  • Producción innovadora: Una mezcla perfecta de guitarras eléctricas, sintetizadores y el flow distintivo de Mike Shinoda.

El Legado de “In the End”

Más de dos décadas después de su lanzamiento, esta canción sigue despertando emociones. Cada vez que suena, trae recuerdos de una época dorada para el rock y reafirma su lugar como un himno eterno. Chester Bennington, cuya voz incomparable sigue siendo un símbolo de autenticidad, dejó una huella imborrable en la música.

El Top 10 de KROQ: Otras Joyas del Rock

Además de “In the End”, el ranking de las mejores canciones de rock de los últimos 30 años, según KROQ, incluye los siguientes clásicos:

"Everlong" – Foo Fighters

"Seven Nation Army" – The White Stripes

"Mr. Brightside" – The Killers

"All the Small Things" – Blink-182

"Santeria" – Sublime

"Brain Stew/Jaded" – Green Day

"Just a Girl" – No Doubt

"Self Esteem" – The Offspring

"Dani California" – Red Hot Chili Peppers

Cada una de estas canciones representa un momento único en la historia del rock, pero “In the End” destaca como el himno que definió una generación.

¿Por Qué “In the End” es Inolvidable?

  • Conexión emocional: Su mensaje universal sobre las luchas internas trasciende culturas y edades.
  • Innovación musical: Linkin Park rompió esquemas al mezclar géneros y ofrecer algo totalmente fresco.
  • Relevancia cultural: Desde bandas sonoras hasta eventos masivos, “In the End” sigue siendo parte del ADN del rock moderno.

Video:  “In the End” de Linkin Park

Revive la Magia del Rock

Si eres fan del rock o buscas conectar con su legado, no puedes dejar de escuchar esta lista. “In the End” de Linkin Park es más que una canción; es un recordatorio de que la música tiene el poder de transformar vidas.

¿Y tú? ¿Cuál de estas canciones es tu favorita? ¡Déjanos tu opinión en los comentarios y sigue disfrutando del mejor rock de todos los tiempos! 

domingo, 19 de enero de 2025

La leyenda del hombre que vendió su alma al Diablo para convertirse en el mejor guitarrista del mundo

Robert Johnson es uno de los nombres más emblemáticos en la historia del blues, envuelto en una de las leyendas más intrigantes de la música. Se dice que vendió su alma al diablo en un cruce de caminos en Clarksdale, Misisipi, a cambio de convertirse en el mejor guitarrista del mundo. Aunque los detalles son escasos y están plagados de misterio, su legado musical sigue fascinando a generaciones.

La leyenda del hombre que vendió su alma al Diablo para convertirse en el mejor guitarrista del mundo

Una Vida Envuelta en Sombras

La vida de Robert Johnson está llena de incógnitas. Su fecha exacta de nacimiento es incierta, aunque su hermanastra Carrie recordaba que nació el 8 de mayo de 1911 en Hazlehurst, Misisipi. Tampoco se sabe con certeza cómo murió, aunque se cree que fue asesinado con veneno. Johnson era conocido por ser un hombre fugaz y en constante movimiento, con pocas amistades y siempre envuelto en un aura de enigma.

El director Martin Scorsese, un apasionado del blues, afirmó: "Robert Johnson sólo existió en sus discos, fue pura leyenda."

Los Primeros Pasos en el Blues

Durante su juventud, Robert Johnson se destacó más por su falta de talento musical que por sus habilidades. Según el músico de blues Son House, en sus inicios Johnson era un guitarrista sin destreza ni talento. Sin embargo, tras desaparecer por un tiempo (algunos dicen meses, otros aseguran que casi dos años), Johnson regresó como un maestro indiscutible de la guitarra, dando origen a la famosa leyenda: había vendido su alma al diablo para alcanzar la perfección musical.

El Diablo en sus Canciones

La influencia de esta leyenda se reflejó en su obra. Seis de sus canciones mencionan al diablo, siendo la más famosa "Crossroad Blues", grabada en noviembre de 1936 en San Antonio, Texas. La letra de esta canción —“Fui a la encrucijada y caí de rodillas, pedí al Señor, ten piedad, salva, por favor, al pobre Bob”— transmite una sensación de profundo terror, como si realmente hubiera vivido una experiencia sobrenatural en un cruce de caminos.

Otra de sus composiciones destacadas es "Love in Vain", grabada en Dallas en 1937. Esta canción, conocida por su tristeza y belleza, fue reinterpretada por The Rolling Stones en su álbum Let It Bleed. Para el guitarrista Keith Richards, versionarla como un blues habría sido "un sacrilegio".

La Trágica Muerte de Robert Johnson

Robert Johnson murió el 16 de agosto de 1938, a los 27 años, cerca de Greenwood, Misisipi, en otro cruce de caminos. La teoría más aceptada es que fue envenenado con estricnina, posiblemente como resultado de un conflicto amoroso. Según el músico Sonny Boy Williamson, Johnson bebió whisky adulterado, lo que le causó la muerte.

En Greenwood hay tres lápidas que marcan supuestas tumbas de Robert Johnson, pero no se ha confirmado la autenticidad de ninguna. Se cree que fue enterrado sin lápida ni cruz, bajo un árbol, cerca de un cruce de caminos, un lugar simbólico para quienes conocen su leyenda.

El Legado de Robert Johnson

A pesar de haber dejado solo 29 canciones grabadas en dos sesiones, Robert Johnson es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Su influencia trasciende generaciones y géneros, dejando huella en artistas como Eric Clapton, Bob Dylan y The Rolling Stones.

Su música y su historia han dado forma a la imagen del blues como género, manteniendo viva la fascinación por un hombre que pasó por la vida como una sombra, pero dejó un legado inmortal.

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